Zu fragen wäre, ob der Raum gut war. Er bot sich für den Anlaß an, ja. Denn Carla Bleys Arrangements waren durchkomponierte Variationen über bekannte Weihnachtsthemen. Doch der schwere Gründerzeitraum der Passionskirche legte solchen Stein und solches Holz auf die Musik, daß sie einiges von weihevoller Hommage bekam. So auch das Publikum: graues Haar, wohin man sah. Gewissermaßen beging man eine Chistmette der Erinnerung an vergangene Jugend: so sehr war zu spüren: die Zeit des Jazz' ist vorüber. Vor fünfundzwanzig Jahren hätten die Leute energiegeladen in Schlangen vor dem Eingang angestanden; hier jetzt war zwar der untere Kirchenraum voll, aber die Emporen hatten gewaltige Pubikumslöcher. Eingeweihte waren zusammengekommen, doch nicht, um zu wollen, nicht, um zu drängen, sondern der Stand ist erreicht, man hat pünktlich sein Gehalt auf dem Konto, kann deshalb die horrenden 35 Euro für den Eintritt locker verschmerzen; ansonsten putzt man wochenends sein inneres gesellschaftskritisches Automobil und bereitet sich dabei allmählich auf den Lebensfeierabend vor. Darüber täuschten auch die gelegentlichen, irgendwie rituellen Jubelrufe nicht hinweg, nicht gelegentliche Begeisterungspfiffe. Ein großes menschlich-allzumenschliches Vorüber umarmte sich in dem inneren Kirchenbau zu einem Akt abgefundener Getragenheit. Die Christmas Carols unterstrichen das selbst noch dadurch, daß die hinreißenden Musiker des Bläserquintetts signifkant jünger waren als acht Neuntel ihrer Zuhörer. Eine Musik, die nicht wenigstens einen Kreis junger Anhänger hat, stirbt aus. Das zu spüren, war das Traurige an diesem Abend.
Es gab der Musik zugleich ihren besonderen Ausdruck entferntester Melancholie. So auch das Paar, das zu feiern man hergekommen war und das in warmer lebensgeschichtlicher Distanz von den übrigen Musikern spielte: Carla Bley selbst und der Ausnahmebassist Steve Swallow, der versonnen und mit leisester, verklärter Ausdruckskraft auf seinem J-Bass vor sich hin improvisierte; beide, Bley und Swallow, w e n n solistisch, musizierten ohnbedies eher als Duo denn in einem Septett. Nicht selten traten sie vom Podium sogar zur Seite, um den anderen, jüngeren, einfach zuzuhören, als wäre es nun d e r e n Zeit, zu der sie auch einzweimal behutsame Tanzschritte wagten. Leidenschaft ist keine Sache mehr des Alters: das war so sehr unter der Haut. Nicht nur bei der nun siebzigjährigen Carly Bley, die am Klavier kaum mehr zu hören gab, als bisweilen das reine Skelett ihrer Arrangements, bisweilen das Thema als Introduktion, bisweilen eine analytisch durchlaufende Reduktion aufs Tonmaterial, sondern eben auch bei Swallow, der, vorgebeugt, die Augen immer nah am Notentext hatte, sehr nah, wegen der Kurzsichtigkeit. Es kommt auf Virtuosität nicht mehr an, ist man ebenso über die Jahre eines musikantischen Zirkuspferds hinaus wie der gealterte Voltigeur, der seine Kapriolen darauf exerzierte. Das war gestern abend ebenso zu merken wie, dort freilich aus anderen Gründen, bei dem späten Keith Jarrett, dessen letzte Solostücke wie meditierender Hindemith klingen. Es läßt sich mit gleichem Recht sagen, die Luft sei raus, wie, sie sei in einen perfekten Schwebezustand übergegangen. Dem tut ein Kirchenraum nicht gut, weil er verdoppelt. Besser hätte das Kesselhaus-Team dieses Konzert drum in den eigenen, nüchternen Saal in der Kulturbrauerei gelegt: es wäre die spielerische – ecco: - Arbeit betont worden, die guten Jazz immer ausgemacht hat. Dann wäre mehr übergesprungen, sowohl von der Musik ins Publikum, als auch und vor allem von diesem auf die Musiker, die sich dann aus der vorgeführten stabilen Harmonie hätten womöglich lösen, die dann womöglich hätten wirklich loslegen können, auch und gerade weil Bleys Arrangements so bis ins Letzte in einen Schönklang ausgetüftelt sind, der schon die Ewigkeit, möchte man meinen, in den Ohren hat. So traten wir in die Nacht hinaus. Anderthalb Stunden am Stück war gespielt worden, und schweigend und dunkel lag nun der Christmarkt da. Wie Geschichte, die auf dem kleinen Platz verging._{Carla Bley, Klavier & Arrangements.
Steve Swallow, Bass.
Tobias Weidinger, Trompete.
Axel Schlosser, Trompete.
Christine Chapman, Horn.
Adrian Mears, Posaune.
Ed Partyka, Bass-Posaune & Tuba.}

der erste abend endet gleich der fanfare eines --: leichenzugs. hurtmold e convidados heisst es dieses wochenende im --: auditório ibirapuera drei abende lang. es ist ein lied der los hermanos, além do que se ve (etwa: jenseits des sichtbaren; mehr als man sieht), die vor einem jahr --: ihren unaufhaltsamen aufstieg abrupt beendeten, dem hurtmold (hurtschmold gesprochen) ein lost hermano, marcelo camelo an der gitarre und rob mazurek als convidado an der trompete, voranspielen. ein instrumentiertes --: begräbnis von ornans.
nossa, que lindo. bärtige helden, beinahe alle, wie einst courbet. bis auf marcos gerez am bass. ein bass mit gesicht, --: der eine unverwechselbare rhythmik vorschlägt. ihr realismus hat lebensgröße, und kann dabei doch nicht anders, als den klangkulissen dieser stadt etwas hinzuzufügen. und sie könnten tatsächlich dem realismus eines courbet das lied spielen. denn, was war der anderes, als ein arrangement nach neuen regeln. eine kombinatorik der teilhabe. vorgefunden hat er letztlich seine demokratische sicht der dinge, und sie damit erst über sich selbst hinaus wirklichkeit werden lassen. letztlich war es der auszug ins nachbardorf. die neugier überwiegt die abgrenzung. aber sie erschöpft sich danach nicht in der eingemeindung, sie bringt und nimmt etwas mit.
hurtmold haben international gehört, chicago ist nicht fern, jim o‘rourke, tortoise, aber sie sind so brasilianisch, wie ihre bärte echt. verstecken muss sich keiner von ihnen dahinter. und genau das hat man sich auch von lula erhofft. hurtmold feiern ihr zehnjähriges bestehen. dass sie dabei ohne das übliche exportklischee vom sambagesättigten hüftschwung auskommen, weiß etwas von den potentialen realistischer betrachtungsweisen in globalisierten zeiten, ohne seine wurzeln leugnen zu müssen.

Nein, auch sogenannte klassische Konzerte müssen nicht repertoire sein, wenn sie Repertoire sind. Das verneinte Neoadjektiv meint nicht nur die sehr witzige Idee, den doch immer ein bißchen langweiligen, sozusagen „klassisch“ desinfizierten Joseph Haydn durch kluge Kombinatorik mitten in eine Unterhaltungsmusik hineinzuziehen, die das eben, Divertimento, i s t, doch auf kompositorisch höchstem Niveau – indem der Holländer Jac van Steen sie mit dem hierzulande wirklich nicht oft gespielten Jean Français konfrontiert. Deshalb funkelte die erste Hälfte des Konzertes von einem prächtig gesetzten Witz, der alles andere als Berührungsängste gegenüber selbst dem Schlager, ja „Schiebe“musiken hat und dabei im Falle Français' deutlich von ravelschen Kompositionsansätzen geprägt ist: nur daß seine Sinfonie in G völlig im Bereich des Spielens b l e i b t. Nämlich wird kein seliger Walzer schließlich vom Unheil zerrissen, sondern die Tänzer dürfen zuende tanzen und auch unbeschwert klatschen, nachdem sie in ihren Dreiviertel-pas' freilich auch schon mal stolperten – vor Überraschung, weil man ihnen den Rhythmus der Füße durcheinanderbringt und stehenbleiben und auflachen muß. Mit welcher virtuos vergnügten Klangkraft das Konzerthausorchester hier, durfte man vor der Pause noch sagen, „aufgespielt“ hat, war mehr als nur begeistert, auch wenn sie, die Pause, n a c h dem Français grinsend von meisterhaftem Tingeltangel sprach: es wundert nicht, daß der 1997 gestorbene Franzose einerseits vom „gehobenen“, ideologisch ernsten Musikbetrieb eher ignoriert worden ist, andererseits um so reicher an Aufträgen und Auszeichnungen war. Niemand, in der Tat muß fürchten, daß einen die Musik mit Konflikten konfrontiert, die ein Abonnent doch lieber zuhause lassen möchte, wenn er ausgeht. Dennoch, wer sich die kindliche Lust an der spritzigsten Kompositionskombinatorik nicht nehmen läßt, wird auch dann seine helle Freude an dem Stück haben, wenn er eigentlich auf Seiten „des Stands des Materials“ (Adorno) steht.
Das wirklich Begeisternde dieses Abends fand sich aber erst danach.
Die Pause ist vorüber, es hat geklingelt, man hat von der großen Freitreppe auf den Weihnachtsmarkt des Gendarmen geschaut und noch die Süße gerösteter Mandeln in der Nase; man hat Platz genommen und freut sich drauf, die Herzen debussyschem Klanggeschwelge zu öffnen, vor dem freilich erst einmal der fremde Britten überstanden werden muß --- da tritt der Dirigent beklatscht aufs Pult, hat ein Mikrofon in der Hand, wendet sich ans Publikum und erklärt uns, es sei Herbst,Frau Barbara Hannigan aber, die Sopranistin, völlig gesund. Woraufhin aus dem Rang ein Programmheft herniedersegelt, „die Bätter fallen“, sagt van Steen ins Lachen und daß das Orchester und er bei der letzten Probe hätten eine Erkenntnis gehabt. „Sehen Sie, man stellt ein Programm zusammen und denkt: ja, das ist fein, wenn wir mit Debussy enden, und dann hören wir die Sängerin singen...“ - und alle, alle hätten begriffen: Nein, das geht nicht. Das geht nicht, den Britten zum Zwischenstück zu machen, „schwarze Juwelen“ nennt van Steen die neun kurzen Lieder nach Rimbauds Les Illuminations. Und macht nun ein Seitenstück der Musikliteratur, kaum je in Deutschland einmal zu hören, zum leisen Finale, unaufdringlich aber unabweisbar. Nachdem nämlich der Debussy mit dem aufgemotzten Riesenaufwand des mit doppelter Harfe besetzten Spätromantikorchesters verklungen ist – eine Musik, die letztlich ganz ebenso dem unverbindlichen Divertimento zugehört wie die meisterhaften Fakturen der beiden Sinfonien zuvor -, räumt alles, was nicht Streicher ist, das Podium, und selbst die werden auf höchste Durchsichtigkeit ausgedünnt. Konzentration, nicht alleinige Farbpracht und nicht mehr Spott und Schwärmerei, nimmt sich schon mit Brittens eigenwilliger Fanfare - nicht als Streicher-, nicht als (Jens Schubbe:) „trompetender“ Blechbläsersatz geschrieben - den Raum und uns: Von uns auch wird erzählt, jenseits der sprudelnden Tänzerei, innig vielmehr, intensiv und ohne aufzustampfen. Es gehört zu den kompositorischen Eigenheiten Benjamin Brittens, daß er auch schlagende Einfälle niemals feiert, sondern sie klingen an und verklingen mehr im Kopf, verklingen wie eine Erinnerung, der man nachlauscht, dabei immer prägnant und dem fernen Rufen aus einer milden Nacht gleich, die ihre warmen Verzweiflungen kennt... Die silbernen und kupfernen Wagen -
Die stählernen und silbernen Buge -
Schlagen den Schaum -
Wühlen die Stöcke der Dornen auf.
Die Strömungen der Heide
Und die ungeheuren Rillen der Ebbe
Fliehen in Kreisen gegen Osten;
Gegen die Pfeiler des Waldes,
Gegen die Stämme der Molen,
An deren Kante sich stoßen die Wirbel des Lichtes.
_Rimbaud

Hineingehen! Denn Brittens kleine Stücke gehören zur größten Musik, die je geschrieben wurde. Konzerthaus Berlin, Gendarmenmarkt, 20 Uhr. Das Haus war gestern abend nicht voll besetzt, es wird noch >>>> Karten geben heute.

es ist das erste mal an diesem abend, dass bonnie prince billy sich erhebt --: auf der bühne im studio sao paulo und --: die gitarre beiseite legt.
er reiste allein mit emmett kelly an, dem zweiten gitarrist und sänger.
obwohl es von der vip-terrasse nicht aufhören will zu lärmen, horcht man nun auch von dort gebannter der reinkarnation des allen ginsbergs als holy wolf. indeed, you remind me of something. an den letzten sommer in berlin. an das erste fremdeln: deine wohnung. nein, unsere wohnung. nein, deine. anfänge. abschiede. weiter machen. neu anfangen. fahnendurchsicht. verse schmuggeln. mit dem rad durch die nacht. a song that i am, a woman, a man, and everything else. tegels taxifahrer. c/o. the dancing goes on. die evolution frisst ihre kinder. deleuze gegen --: mayr. in the kitchen until dawn. nein, es war das hackbarths, endete zeitig und beinahe im streit. die geworfene münze: ich wähle nicht. doch, du wählst den zufall. my favorite song that has no end. the dark knight. schau dir erst die münze genau an. ja, aber es ist schwierig. ja, was glaubst denn du, i m only happy when it s complicated. könnte glatt gelogen sein. so sweet and so wrong. it s been you since i found it, i still go where it ended.
i saw the best singer-songwriters of my generation in the machinery of night in sao paulo and missed them --: in los angeles.
did you add up all the cards left to play?

>>>> Diese CD ist ein Glücksfall. Sie balanziert über jenen Paß zwischen Kommerz und Kunst, der auch einem mainstream-fernen Projekt Erfolg bringen könnte. Selbst das hat freilich einen Preis; hier bezahlt ihn die Poesie an den Pop, doch dafür ist sie aus der Vergessenheit in die Gegenwart wiedererweckt und läuft dem Zugriff davon come i lupi corrono alla montagna.
Es sind ins Italienische gebrachte mittelalterliche Gedichte arabischer Sehnsucht von Männern zu Männern wie zu Frauen, vor allem aber zur an die Normannen verlorenen Heimat Sizilien, eines paradiesischen Gartens auf Erden – der sich der Scollo, schreibt sie, „uns europäischen Sizilianern“, erst über diese Lyrik aufgeschlossen habe. Nun schließt sie sie uns Hörern auf. Das geht uns auch etwas an, denn kaum ein anderes Land repräsentiert ähnlich gerafft den Beginn unserer Kultur wie diese Insel. Se volete vedere la Grecia, heißt es, andate alla Sicilia. Auch Griechenlands Ursprung lag ja im Orient. Der prägte Europa noch einmal tief durch die arabische Herrschaft auf Sizilien zwischen 700 und 1000 n.C. Das Abendland, insgesamt, wurde von seinem Morgen geboren. In diesem Umfeld sind Scollos Lieder zu hören. Und der Dichter Jano Burgaretta macht dem Exilierten, auf Sizilianisch, nicht Italienisch, bitter deutlich, wie weit das heutige Sizilien von seiner mittelalterlichen Blüte entfernt ist und wie weit, denkt man, der heutige fundamentale Islam von der leuchtenden Blume der Heimat Ibn Hamdis.
Daß es unmöglich sei, schreibt Ungaretti, sich seiner im Dunkel vergangener Jahrhunderte liegenden Herkunft zu entziehen. Das wird Frau Scollo, als sie sich in diese Dichtungen versenkte, gespürt haben. Wer immer ihr zuhört, spürt es nun mit. Auch wir haben ja das Bewußtsein unserer Herküfte, haben unsere kulturelle Identität verloren und schauen ganz wie Ibn Hamdis aus einem Westen nach dem Osten zurück, wohin uns Markus Stockhausens schöne Trompete ruft. Freilich ist das auch Warnung: Un solo bacio su quella bocca, schreibt At-Tûbî, öffne den Weg der Angst. Darüber täuschen die Geigenseligkeiten durchaus nicht hinweg, die manche Vertonungen Scollos ganz furchtbar übersüßen. Ihre Arrangements sind überall dort nicht auf der Höhe der poetischen Vorlagen, wo mit spätromantischem Orchesterapparat Stimmung erzeugt werden soll. Doch immer wartet die Scollo mit so eigenwilligen Stilkombinationen auf, daß man abermals aufmerkt: gerührt und manchmal begeistert. Einige Lieder sind meisterhaft, etwa das widerspenstige Non credete, aber auch Burgarettas Ibn Hamdis zugeeignete Klage: die Scollo singt sie zur Gitarre mit angedeuteten arabischen Koloraturen, eine Bratsche kommt hinzu, seit je Todesinstrument in Zwischenlage, schon kippt das Lied und wird Chanson. Dazu läßt das Streichquartett insgesamt an ein Akkordeon, ja einen Tango denken, sogar an Klezmer: in solchen Augenblicken hat man ein ganzes Osteuropa im Ohr, und der verlorene Garten, in dem der Löwe friedlich beim Lamm liegt und tolerant der Muslim bei Mose und Christ, leuchtet momentlang heraus, als wären es Pfeile, / die brennend die Gewänder der Finsternis / mit einer Feuersbrunst zerreißen (Ibn Bishrî). Doch verweht Nabil Salamehs Rezitation wie die leuchtende Blume selbst: eine Frage in die Luft der stummen Geschichte geblasen. Das letzte Lied ist eine kleine Trilogie aus Aufbruch, Ausbruch und Entflammung, sowie einer Ergebung, die dem arabischem Gesang verbehalten ist. In einem offenen, aggressiv gedrückten Streicherakkord klingt er nicht aus, sondern wird weggeschnitten: man hört momentlang lange Leere. Selbst im Traum kommst du, um mir Adieu zu sagen. Wer das Booklet nicht aufschlug, bleibt ausgeschlossen von der Seele solcher Unerreichbarkeit.
Es muß mitlesen, wer Etta Scollos Kunst schätzen lernen will. Die Musik eignet sich nicht sehr zur Untermalung, weil sie sich allzu sehr dazu eignet: das ist ihr Dilemma. Denn wer auf konzentriertes Hören aus ist, den stören abgegriffene Pop-Stanzen, die sirupgetränkte Mumien der ersten Wiener Klassik sind, oder das Klavier geht in einen tausendfach gehörten Jazz-Standard über, aus dem einen allein erlöst, daß die Begleitstimme nicht arabisch, sondern jetzt französisch dazusingt und der Bezugsrahmen so unversehens gewechselt wird, daß man sich bei Serge Gainsburgh angekommen fühlt. Zudem ist die mittelalterliche Bildwelt nicht immer leicht zu entschlüsseln: ma questa luce è un modo del distruggersi/manda luce chi perde la sua vita. Solche sehr abstrakten Bilder weiß Scollos Vortrag - vor allem im Zusammenklang mit den ausgesprochen männlichen Stimmen - wirklich zu gestalten, nur habe ich mir manchmal gewünscht, sie hätte die instrumentale Begleitung kleingehalten: wäre bei ihrer Gitarre, bei der Oud und der Laute geblieben, bei Oboe und Bratsche, Giovanni Sollimas schönem Cello und Markus Stockhausens Trompete. Scollos Stimme, ihr Seufzen, ihr Beben, ihre bisweiligen Ausbrüche, die ganze expressive Innerlichkeit („incendiario!“), trügen es - aber es wäre dann eine experimental-puristische CD geworden und nicht die einer Volkssängerin, die die Scollo ja sein will. >>>> Ihr Auftritt kürzlich auf dem Berliner Monbijoufestival im kleinen hölzernen Amphitheater machte das einmal mehr klar; sie ist sich nicht zu schade, auch vor kleinem Publikum aufzutreten, sie ist ganz bei sich dann und in jedem Fall mitreißend authentisch, anders als wenn sie sich in Orchesterlieder wirft, deren komponierte Faktur allenfalls mit André Rieu konkurriert. Populismus geht halt immer auf Kosten der Kunst, in diesem Fall auf Kosten der mittelalterlichen Gedichte, und erst, liest man das - ausgesprochen schöne - Booklet mit, wird manch Musikmotz schlüssig oder spielt doch keine Rolle mehr. Und das Holz der Aloe mit seinem / duftenden Rauch umhüllte ihn ganz. Im übrigen schadet es nicht, hat man palermitanische Prozessionen im Ohr, die sich durch die nächtlichen Gassen um die via Marqueda drücken, von Tschinellen begleitet, von Blasinstrumenten geführt und in einem Feuerwerk, nach der Messe, endend. Manchmal hört man sogar die Fischverkäufer des alten Catanias ihre tetrachordischen abbaniatine rufen, mit denen Luciano Berio seine voci komponierte. Dann wieder, in dem homosexuellen Liebeslied È così snello, finden sich zweidrei Geigenphrasen, die an Schlußseufzer bei Othmar Schoeck denken lassen. Dazu der Scollo Schmeicheln, der Scollo Beschwören, der Scollo Trauern, ihr Turteln und Schmettern; sie kann, das ahnt man, furchtbar zanken. Da ist der Eindruck kaum abwegig, sie habe für dieses Projekt bei einer anderen Volkssängerin, der großen >>>> Oum Kalthoum, um arabischen Ausdruck nachgelauscht. In jedem Fall zieht sie in diesem Oktober mit vollem Recht in die Räume des Kammermusiksaals der Berliner Philharmonie ein; ich hoffe, sie läßt das Pops-Orchester draußen und gestattet sich und ihren Solisten einen nicht von Geigenbataillonen zubombardierten Raum. Sie wüßte ihn nämlich auch ohne Bombast, und uns, ganz zu erfüllen.

_{[Nachtrag, 29. 10. 2008: >>>> Sie k o m m t, las ich, mit kleiner Besetzung, ohne Orchester.]}